Abro este hilo para hacer un repaso de la carrera de Smashing Pumpkins. Desde sus inicios hasta la última publicación en estudio repasaremos, a modo de dossier (o eso intentaré), los hitos, aciertos y desaciertos de una banda fundamental en la historia del rock alternativo.

Mucho se ha escrito sobre la banda de Chicago desde que publicaran su debut “Gish” en 1991. La fuerza que fue adquiriendo la música que creaban álbum tras álbum hizo que nos los fuesen presentando como una promesa de la nueva ola, la realidad del nuevo sonido, la banda del momento o incluso el fin de algo que no había hecho mas que comenzar. Todo esto unido al carácter, un tanto díscolo, de su vocalista y guitarrista Billy Corgan, generó ríos de tinta en las páginas que se ocupaban del mundo del rock, e impidió que el árbol nos dejase ver el bosque majestuoso que nos brindaba The Smashing Pumpkins. Ahora, veintisiete años después de su irrupción en la escena musical, ha llegado el momento de repasar el fenómeno de las calabazas más famosas de Estados Unidos, con permiso de las que se utilizan en Halloween.

Brillante Primera Etapa

La década de los 90’s se presentaba prometedora. Flotaba en el ambiente la sensación de un mundo de posibilidades para aquellas bandas capaces de conectar con las nuevas inquietudes de la calle. A la par, The Smashing Pumpkins celebraban dos años de su nacimiento y, gracias al atrevimiento que otorga la juventud, estaban  preparados para dar el salto. Así cuando los cuatro miembros de la formación original (Billy Corgan voz, Jimmy Chamberlin a la batería, James Iha a la guitarra y D’arcy Wretzky al bajo) se encontraban en el ecuador de la veintena de edad, asistieron al cumplimiento de un sueño. Por fin publicaban el tan ansiado disco que respondería al título “Gish” (1991). Toda la ilusión, trabajo y empeño depositados a lo largo de los años parecía al fin llegar a buen puerto. Se presentaron al mundo con un álbum repleto de rock oscuro; la voz de Billy, unas veces ruda otras delicada, entraba fácilmente, las guitarras en su mayoría duras y sucias, dominaban el ambiente y contaban con algún que otro estribillo pegadizo.

Componían Gish diez temas dosificados en cuatro piezas contundentes y seis más tranquilas entre las que se encontraba “Rhinoceros”, la cual cabalgaba entre la balada y el medio tiempo, formato que sería en un futuro tan reconocible como importante en la carrera de The Smashing Pumpkins. Además, la producción de esta primera entrega corrió a cargo de Butch Vig, cuya mano se intuía en temas como “I Am One”, “Siva” o “Bury Me”. Pero al igual que llegó la alegría, lo hizo la decepción; el cuarteto de Chicago no contaba con que 1991 estaba reservado para una nueva evolución del rock, la cual vendría representada por “Nevermind” (Nirvana) y este terminaría llevándose por delante todo aquello que fuese contemporáneo suyo. Aquello marcaría para siempre el devenir de la banda y en particular el de Billy Corgan, quien poseía un gran afán de reconocimiento y perfeccionismo. No quedaba otra que esperar más suerte con su próximo trabajo.

Continuará...

...Mola.



Adios.

En el transcurso de los siguientes tres años se dedicaron a girar mientras iban dando forma a su siguiente apuesta discográfica. Fueron tiempos difíciles para la banda, pues a las adicciones propias del rock se añadirían problemas sentimentales de los componentes y multitud de encontronazos en el estudio de grabación. Corgan, obsesionado con obtener el reconocimiento que merecían, rayó en los límites más insospechados, llegando a grabar todas las guitarras de su siguiente trabajo. ¿En qué posición dejaba semejante acto a James Iha?, ¿cómo afectaría todo esto a la estabilidad del grupo? Pronto llegarían a un punto sin retorno, pero eso sería un poco mas adelante.

En 1993 presentaron al mundo “Siamese Dream”, un compendio de 13 temas en los que tenía cabida el sonido aplastante de cinco de ellos, la fragilidad en otros tantos y tres de los consabidos medios tiempos que el amigo Corgan comenzaba a explotar. A partir de entonces cambió todo. El mundo del rock puso sus ojos en los cuatro de Chicago aplaudiendo un álbum que marcaría un antes y un después en el estilo que practicaban. Coproducido por Butch Vig y el propio Billy Corgan, consiguió vender cuatro millones de copias en USA. Canciones, a la postre, convertidas en clásicos de su repertorio, como “Cherub Rock”, “Today” ó “Disarm” enloquecieron a millones de personas en todo el mundo que no sabían muy bien en qué sonido encajar. “Nevermind” había canibalizado un movimiento musical completo y éste se había dado en llamar Grunge, pero era claro que los temas de The Smashing Pumpkins no compartían los mismos trallazos sónicos que estos. Quizá fuera por ello, la banda de Corgan fue etiquetada como rock alternativo.

Tras el revuelo que armó “Siamese Dream” se enrolaron en una gira en la que demostraban noche tras noche la calidad de su obra y mientras todo esto ocurría - la ocasión la pintan calva - aprovecharon para editar “Pisces Iscariot” (1994), un recopilatorio de canciones inéditas y caras B de Siamese Dream, el cual tuvo una buena acogida, consiguiendo vender mas de un millón de copias, y  brindándonos temas excelentes como “Starla” y sus once minutos de psicodelia, la fantástica “Whir” ó las versiones de “Girl Named Sandoz” (The Animals) y “Landslide” (Fleetwood Mac), la cual sirvió como single de presentación. No está nada mal para algo que, no olvidemos, se trataba de los descartes de tan solo dos álbumes.

Continuará...

Una vez concluída la gira, decidieron tomarse un respiro para ir gestando lo que sería su nuevo proyecto. Para ello prepararon una gran cantidad de canciones de las que, finalmente, veintiocho conformarían la tercera entrega de su historia, el brillante “Mellon Collie And The Infinite Sadness”. Su trabajo mas aclamado de todos los que editaron se publicó en 1995 bajo el formato de doble álbum y la estructura fue la siguiente; catorce temas en el primer disco (denominado Dawn To Dusk) donde se repartían una intro, cuatro baladas, cuatro medios tiempos y cinco canciones rápidas, entre las que encontrábamos piezas tan singulares como “Bullet With Butterfly Wings”, “Tonight, Tonight” ó “Zero”, las tres utilizadas como sencillos. Incluyendo el segundo plástico (Twilight To Starlight) otras catorce canciones, esta vez diferenciados dos medios tiempos, cuatro golpes explosivos y ocho arrulladoras perlas, sobresaliendo de entre todas ellas el single “1979”.

Con “Mellon Collie” llegó el éxito arrollador que toda banda sueña con encontrar alguna vez. De hecho se vendieron más de dieciséis millones de copias y encabezaron las listas de ventas en, prácticamente, todo el mundo. Como no podía ser de otra forma, la incontinencia verbal de Corgan volvió a escena apabullado por tanta repercusión mediática, y no dudaría en calificar su ópera prima como el nuevo “The Wall” (Pink Floyd) de los 90’s. Además, el álbum consiguió situar a los Pumpkins como la banda referencia dentro del rock alternativo.

Tras todo lo acontecido, iniciaron una gira mastodóntica alrededor del mundo para acercarse a los adeptos que los habían encumbrado y durante el interminable año 1996 aprovecharon para editar su siguiente disco, “The Aeroplane Flies High”, un recopilatorio, con treinta y tres piezas de caras B y descartes de “Mellon Collie”, en el que destacaban “The Boy”, “Jupiter’s Lament” y “The Bell”. Tantas horas de convivencia comenzaron a pasarles factura y los roces volvieron a instaurarse en el seno del grupo, además las debilidades personales de cada uno se acentuaron y finalmente en ese mismo año Jimmy Chamberlin abandonaba el grupo, expulsado, debido al arresto bajo los cargos de posesión de drogas.

Una etapa se cerraba en el universo que habían construido aunque los seguidores de la banda todavía no eran conscientes de ello.

Continuará...

Alinoe escribió:

Una vez concluída la gira, decidieron tomarse un respiro para ir gestando lo que sería su nuevo proyecto. Para ello prepararon una gran cantidad de canciones de las que, finalmente, veintiocho conformarían la tercera entrega de su historia, el brillante “Mellon Collie And The Infinite Sadness”. Su trabajo mas aclamado de todos los que editaron se publicó en 1995 bajo el formato de doble álbum y la estructura fue la siguiente; catorce temas en el primer disco (denominado Dawn To Dusk) donde se repartían una intro, cuatro baladas, cuatro medios tiempos y cinco canciones rápidas, entre las que encontrábamos piezas tan singulares como “Bullet With Butterfly Wings”, “Tonight, Tonight” ó “Zero”, las tres utilizadas como sencillos. Incluyendo el segundo plástico (Twilight To Starlight) otras catorce canciones, esta vez diferenciados dos medios tiempos, cuatro golpes explosivos y ocho arrulladoras perlas, sobresaliendo de entre todas ellas el single “1979”.

Con “Mellon Collie” llegó el éxito arrollador que toda banda sueña con encontrar alguna vez. De hecho se vendieron más de dieciséis millones de copias y encabezaron las listas de ventas en, prácticamente, todo el mundo. Como no podía ser de otra forma, la incontinencia verbal de Corgan volvió a escena apabullado por tanta repercusión mediática, y no dudaría en calificar su ópera prima como el nuevo “The Wall” (Pink Floyd) de los 90’s. Además, el álbum consiguió situar a los Pumpkins como la banda referencia dentro del rock alternativo.

Tras todo lo acontecido, iniciaron una gira mastodóntica alrededor del mundo para acercarse a los adeptos que los habían encumbrado y durante el interminable año 1996 aprovecharon para editar su siguiente disco, “The Aeroplane Flies High”, un recopilatorio, con treinta y tres piezas de caras B y descartes de “Mellon Collie”, en el que destacaban “The Boy”, “Jupiter’s Lament” y “The Bell”. Tantas horas de convivencia comenzaron a pasarles factura y los roces volvieron a instaurarse en el seno del grupo, además las debilidades personales de cada uno se acentuaron y finalmente en ese mismo año Jimmy Chamberlin abandonaba el grupo, expulsado, debido al arresto bajo los cargos de posesión de drogas.

Una etapa se cerraba en el universo que habían construido aunque los seguidores de la banda todavía no eran conscientes de ello.

Continuará...

Genial repaso el que estás haciendo sobre la carrera discográfica de las calabazas.

Justo aquí que lo has dejado es donde acaba, para mi gusto, la época dorada de esta banda. Siempre he sido muy fan de estos 3 primeros discos, especialmente del segundo y el tercero, que me parecen de las mejores obras de los 90. 'Adore' tambien tiene algunos temas que me gustan mucho, pero en general es un disco que me aburre un poco. Y algo parecido me pasa también con 'Machina', disco más enérgico y con algunas grandes canciones, pero que, en mi opinión, peca de relleno. Y aquí me planté (bueno, también escuché aquel proyecto fallido de Corgan, Zwan creo que se llamaba). Así que me interesa mucho lo que escribirás sobre sus últimos trabajos, estaré atento

Adore Vs Machina

En el transcurso de tiempo que pasó desde el final de la gira anterior hasta la publicación del nuevo álbum, los integrantes del grupo fueron lanzando mensajes en busca de un calado social que previniese a los fans del cambio en su sonido. La oportunidad que se les brindaba al encontrarse sin un batería oficial no la iban a desperdiciar y fue aprovechada para volver a los orígenes de su época maquetera en los que grababan voz, guitarra, bajo y una caja de ritmos. En esta ocasión la caja fue sustituída por modernos sintetizadores, las guitarras pasaron a sonar mas acústicas, dotaron de una gran importancia al piano y la voz de Billy fue utilizada como un instrumento musical mas de la amalgama que engendraba “Adore” (1998). Para su presentación lanzaron “Ava Adore” como single, buscando la amortiguación en el cambio de registro ya que era el tema con mas raíces de los trabajos anteriores, pero aun así la recepción por parte de la audiencia no fue la esperada, de hecho se les dio la espalda de un modo dictatorial y las ventas quedaron en esta ocasión rondando los dos millones de copias, sin embargo esta vez la crítica los trató con benevolencia.

Es curioso lo que ocurrió con “Adore”, y es que echando la vista atrás comprendemos ahora que es un gran disco; quizá adelantado a su tiempo, seguro que nada convencional, pues se trataba mas de una recreación de ambientes, dispuesta en diecisiete cortes que se movían entre baladas y sus propios medios tiempos, que de un aluvión de sentimientos, y finalmente a partir de esta arriesgada apuesta encontrarían el camino hacia su final.

Con el cambio de siglo reaparecen en el panorama musical para publicar “MACHINA: The Machines Of God”(2000), su séptimo álbum. Éste intenta volver a la música anterior a “Adore”, recuperando la batería – Chamberlin había sido readmitido el año anterior – y las guitarras sucias. Para abrir el disco escogen “The Everlasting Gaze”, el tema mas duro de los quince cortes; en él las guitarras rugen desde el primer segundo y se considera una respuesta a quienes los habían abandonado por el sonido “Adore”. No obstante el disco no es lo que deja entrever esta primera pieza, ya que se sumerge abundantemente en los medios tiempos que ellos habían reinventado y las tres composiciones mas duras no llegan a la calidad que habían desarrollado en Gish, Siamese Dream y Mellon Collie And The Infinite Sadness. Los temas elegidos para lanzarlos como singles fueron “Stand Inside Your Love” y “Try, Try, Try”, ¿dónde quedaban el rugido y la crudeza? A todo esto, la formación sufría un nuevo cambio, la bajista D’arcy Wretzy abandonó el grupo antes de la publicación de Machina (aunque sí grabó todas sus piezas), siendo sustituída por Melissa Auf Der Maur – bajista de Hole -. Las ventas volvieron a no responder quedando incluso por debajo de “Adore” y se comenzó a entonar el largo adios. Billy Corgan anunciaba que al terminar la gira de “Machina”, The Smashing Pumpkins se disolverían. El mazazo para los seguidores fue tal que la banda tuvo que ampliar su calendario de fechas para poder  llegar a todas partes donde se les reclamaba. El fin estaba cerca y la gente no quería dejarlos marchar sin despedirse.

Continuará...

A finales del mismo año 2000, en el ocaso de su existencia, los Pumpkins agrandaron su leyenda permitiéndose dar salida a un último disco bajo el título “Machina II: The Friends And Enemies Of Modern Music”. Éste contenía veinticinco temas inéditos, demos y versiones que habían ido recopilando a lo largo de sus años en activo. La anécdota del álbum residió en que solo se editaron veinticinco copias y fueron regaladas bajo una sola premisa: Extender el contenido del álbum a través de la red, así los seguidores de la banda podrían tener un último material de primera mano y además sin ningún coste. También era la declaración de principios de Corgan, quien poco tiempo después se corroboraría a sí mismo emprendiendo una guerra sin cuartel contra las discográficas y la industria de la música en general. En cuanto a lo puramente musical, “Cash Car Star”, “Go” (interpretada por James Iha) ó la fantástica versión de “Soul Power” (James Brown) destacaban sobre las demás ¿por qué diablos no formaron parte de Machina?

Con esto parecía ponerse punto final a la historia del grupo de rock alternativo por excelencia de la década de los noventa. Mas tarde entenderíamos que se trataba sólo de un punto y seguido…

Entretanto en 2001 la discográfica no se resignaba a dejar de obtener ingresos por una banda que podría haber dado mucho más rédito de no haber sido por los delirios de grandeza de su líder, así que decidió editar un recopilatorio de grandes éxitos, “Rotten Apples The Smashing Pumpkins Greatest Hits”. Éste en su edición doble - el único que podría tener algún sentido para los fans – incluía treinta y cuatro temas de los cuales ocho eran inéditos (los créditos informaban de doce debido a que no contabilizaban los aparecidos en Machina II al no haber sido publicado por la compañía) y quedaban, en su mayoría, como una mera anécdota a razón de la poca calidad que atesoraban y la sensación de estar escuchando demos. Se salvaron de la quema, el single “Untitled”, la etérea “Soot And Stars”, “Rock On” tan marciana como adictiva y, quizá, “My Mistake”. ¿Habría bajado el telón definitivamente?

Continuará...

El Regreso

El silencio se rompería seis años después. The Smashing Pumpkins regresarían a la palestra con “Zeitgeist” (2007). Corgan pondría todo el empeño en resucitar a la banda de su vida aunque, eso sí, con cambios que diferían de la formación original. El puesto en las cuatro cuerdas sería ocupado por Ginger Reyes (Laguna Beach Demos), la guitarra correría a cargo de Jeff Schroeder (ex guitarrista de The Lassie Foundation), la batería volvía a ser para el remozado Jimmy Chamberlin y la voz, ¿cómo no?, para el multidisciplinar Billy Corgan. La nueva apuesta sonora de los pumpkins se nutría de un registro más duro y sucio que lo anteriormente editado. Los decibelios y la sensación de contundencia se percibían desde la primera escucha, no en vano eligieron para su primer sencillo “Doomsday Clock”- la cual formó parte de la bso de transformers - para dejar constancia de sus nuevas intenciones. Los otros dos singles seleccionados fueron “Tarantula” y “That’s The Way My Love Is”. El álbum respondió discretamente en cuanto a las ventas debido, seguramente, a que el conjunto de sus doce temas eran de un sonido predominantemente pesado y  solo cuatro de ellos se acercaban al medio tiempo que años atrás acuñasen con tanta maestría. No obstante lo importante es que habían vuelto y esta vez era para quedarse.

Tres años después de Zeitgeist reaparecerían con nuevo material. “Teargarden By Kaleidyscope”(2010) fue el título de su nuevo proyecto. Rompiendo los esquemas por los que suelen regirse las estrellas del rock innovaron con este nuevo álbum. La innovación residía fundamentalmente en la manera de concebir el disco, así como su distribución. Cada cierto tiempo se recogerían en la web www.smashingpumpkins.com conjuntos de cuatro canciones que darían vida a un ep, así hasta llegar a cuarenta y cuatro temas (cifra que, según el líder de la banda, completaría el nuevo trabajo) y por supuesto todas las canciones podrían descargarse de manera gratuita. Su filosofía estaba clara “componer canciones, que no álbumes, y rentabilizarlas en los directos”. A día de hoy, diez son los temas que han visto la luz de “Teargarden” y paradójicamente si en esta ocasión los hubiesen agrupado, grabado en formato tradicional, distribuido y realizado una labor de marketing en condiciones, estoy convencido de que estaríamos hablando de un superventas más en su trayectoria. Entre los diez cortes mencionados encontramos “A Song For A Son” que es simplemente majestuosa. Un canto apocalíptico a la nostalgia que podría haberse convertido en algo tan impactante como “The House Of Rising Sun” (The Animals); si no lo creéis escuchadla y decidme a qué os suena. “Widow Wake My Mind”, “A Stitch In Time”, “Freak”, “Tom Tom” ó “The Fellowship” son singles en potencia que deberían funcionar en los charts de todo el mundo. El resto, “Astral Planes”, “Spangled”, “Lightning Strikes” y “Owata” también son grandes canciones, es decir, no se da concesión al relleno, y aseverar que un disco compuesto por diez piezas cuenta con seis hits clarísimos, tal como está el panorama musical, es para pensar en ello.

Continuará...

Oceania

Tras la ardua misión que resulta dar forma a “Teargarden” decidieron darse una nueva oportunidad en el mundo tal y como lo conocemos. Para ello contaron con nuevos movimientos en cuanto a la formación del grupo, Mike Byrne recogía el testigo de Jimmy Chamberlin y Nicole Fiorentino hizo lo propio con Ginger Reyes. En el mes de Junio del año 2012 regresaban con un disco bajo el brazo. “Oceania” pasaría a formar parte del proyecto Teargarden aportando trece temas a los diez anteriormente lanzados y habríamos de entenderlo como una parte corpórea del Kaleidyscope. En cuanto al sonido del disco, se trata de una colección de canciones que abordan el medio tiempo y en las que se encuentran sonidos de guitarras acústicas, teclados, alguna guitarra rasgada y la inconfundible voz de Billy Corgan, la cual se mantiene en un estado de notable alto. Si de buscar semejanza con algo de lo anteriormente editado se trata, obligatoriamente miraremos hacia “Adore” pero si dejamos fluir la música y nos olvidamos del pasado, descubriremos un álbum con personalidad propia y del que estoy convencido daría muchas alegrías a los amantes de la música. Siempre existirán los que piensen que no está a la altura de sus primeras obras o incluso habrá quienes los acusen de estar arrastrando el nombre de una banda ilustre por los suelos, pero si aparcamos los prejuicios y simplemente aceptamos aquel proyecto como lo que es, un disco de rock, comprenderemos que con “Oceania” algunos de nosotros pudimos ser un poco mas felices.

Para finalizar con el repaso a la carrera de las calabazas es necesario nombrar su último trabajo en estudio, Monuments to an Elegy (2014), sin embargo sobre éste poco puedo aportar pues se trata de un álbum que desconozco. Quizá esta próxima semana, empujado por la ola que se ha despertado en mí a lo largo de los últimos días, sea el momento propicio para descibrirlo.

Fin

¡Genial trabajo, Alinoe!

Voy a tener que ponerme con sus últimos discos, que son los que desconozco.

Gran trabajo.
No me atrae la época de cuando es calvo, pero quién sabe, quizás algún día.

Cris Van Zant escribió:

Gran trabajo.
No me atrae la época de cuando es calvo, pero quién sabe, quizás algún día.

Vaya curro que te has pegao Ali

Vaya curro de fin de verano te has buscado!   A ver si me animo y escucho sus últimos discos. Por lo pronto, he repasado sus primeras obras y la verdad es que me siguen gustando mucho algunas cosas.

Despues del ostiazo que me lleve con el Adore no me volvi a acercar, pero no es la primera vez que leo que hay que darles una oportunidad a trabajos posteriores. Excelente post!