Con vuestro permiso escribo un breve apunte para destacar la figura de Rogério Duprat, al que no sin razón llamaron "el George Martin brasileño". También tuvo una formación clásica, produjo jingles y, por desgracia, fue perdiendo el oído. Es imposible comprender el movimiento tropicalista, esa revolucionaria mezcla de tradición e influencias pop, sin su brillante aportación. Os Mutantes fueron sus Beatles y con ellos experimentó con la electrónica y la psicodelia. Trabajó además para Gilberto Gil, Caetano Veloso, Tom Zé, Chico Buarque, etc. En la práctica, más que en labores de director musical o productor, solía poner su talento al servicio de los arreglos y conseguía a través de ellos resultados tan emocionantes como en "Construçao", la canción de Buarque que convirtió en un himno eterno. Se trataba de un poema social que empezaba con muy pocos acordes, con un esquema repetitivo que apenas progresaba (un fiel reflejo de la rutina que describía el tema), al que añadía cuerdas para remarcar la tristeza y vientos para intensificar la situación dramática (justo cuando la letra revela que la muerte del albañil "interrumpe el tráfico" un clamor de trompetas y trombones suenan como desesperadas bocinas de autos). Cito este solo ejemplo para ilustrar el talento de Duprat para transformar un boceto, una maqueta, y terminar de "pintar" el cuadro completo.

https://youtu.be/vmGrRmXivmM

Alehardrock escribió:

Con vuestro permiso escribo un breve apunte para destacar la figura de Rogério Duprat, al que no sin razón llamaron "el George Martin brasileño". También tuvo una formación clásica, produjo jingles y, por desgracia, fue perdiendo el oído. Es imposible comprender el movimiento tropicalista, esa revolucionaria mezcla de tradición e influencias pop, sin su brillante aportación. Os Mutantes fueron sus Beatles y con ellos experimentó con la electrónica y la psicodelia. Trabajó además para Gilberto Gil, Caetano Veloso, Tom Zé, Chico Buarque, etc. En la práctica, más que en labores de director musical o productor, solía poner su talento al servicio de los arreglos y conseguía a través de ellos resultados tan emocionantes como en "Construçao", la canción de Buarque que convirtió en un himno eterno. Se trataba de un poema social que empezaba con muy pocos acordes, con un esquema repetitivo que apenas progresaba (un fiel reflejo de la rutina que describía el tema), al que añadía cuerdas para remarcar la tristeza y vientos para intensificar la situación dramática (justo cuando la letra revela que la muerte del albañil "interrumpe el tráfico" un clamor de trompetas y trombones suenan como desesperadas bocinas de autos). Cito este solo ejemplo para ilustrar el talento de Duprat para transformar un boceto, una maqueta, y terminar de "pintar" el cuadro completo.

https://youtu.be/vmGrRmXivmM

De pronto, has hecho que quiera saber mucho más sobre Rogérico, ¿sabes si hay algún libro interesante sobre su figura?...Me gusta la música brasileña, siempre me gustó, pero nunca termino de adentrarme del todo. Supongo que el día que me decida pasaré años sumergido en ella.

PD: El otro día compré un vinilo de Djavan ("Bird of Paradise") y me acordé de ti.

Auambabuluba balambambú escribió:

Capítulo Nº5:

Canción: "Honky Tonk Woman"; Intérprete: The Rolling Stones; Productor: Jimmy Miller

Este verano escuché una divertida entrevista con Steve Albini, productor y Punk confeso que también hace sus pinitos como músico. Contaba que cuando estaban de gira, el grupo tenía algunas normas. Una de ellas era subir inmediatamente el volumen de la música cada vez que empezara a sonar por la radio de la furgoneta una canción que comenzara con un cencerro, porque habían llegado a la conclusión que todas las canciones que usan un cencerro molan .

Qué mejor ejemplo de canción molona con cencerro que "Honky Tonk Woman". Grabada en 1969 y editada solo como single, siempre pensé que representa el cambio de sonido que la banda tendría en los 70, con discos tan gloriosos como "Let It Bleed", "Exile..." y "Sticky...". Ese sonido de batería tan potente, el uso de los espacios, la afinación abierta de Keith (que Ry Cooder le enseñara) y la maestría de Mick Taylor...aunque aún no era miembro oficial, Keith reconoció que fue él el que le diera ese aire a la canción (en su origen era un tema country, similar a la versión que aparecería en "Let It Bleed"). Por cierto, el cencerro lo tocó el propio Jimmy Miller.

https://www.youtube.com/watch?v=t1Voxwk_nLQ

Volviendo a la entrevista con Albini, contaba que, en cierta ocasión, mientras estan girando por Inglaterra, en una de esas emisoras de variedades, comenzó a sonar una canción que arrancaba con un cencerro. Rápidamente, subieron el volumen pero pronto descubrieron, para su decepción, que se trataba del tema "Working For The Weekend" de Loverboy, que no era precisamente de su agrado. Después del bajón, llegaron a la conclusión de que el cencerro que sonaba en ese tema no era un cencerro real, sino que estaba sacado de una caja de ritmos (los típicos que se usan como claqueta) así que su norma podía seguir intacta

Spoiler:

Siendo Albini productor y hablando de cencerros, supongo que comentaron el sketch clásico de Saturday Night Live en el que parodian la grabación de "(Don't Fear) The Reaper" y secundan la tesis: cuanto más cencerro, mejor es la canción.

Buscando una imagen, veo además que los americanos hoy en día utilizan la expresión "More Cowbell!" más o menos como nosotros utilizamos el grito marxista "¡Más madera!", de Groucho.

Aquí el sketch, que igual he colgado ya alguna vez: https://vimeo.com/55624839

Toma off-topic. En cualquier caso, me encantan estas explicaciones,  que espero que se alarguen más allá de esta semana, aunque sea ocasionalmente.

Auambabuluba balambambú escribió:

Alehardrock escribió:

Con vuestro permiso escribo un breve apunte para destacar la figura de Rogério Duprat, al que no sin razón llamaron "el George Martin brasileño". También tuvo una formación clásica, produjo jingles y, por desgracia, fue perdiendo el oído. Es imposible comprender el movimiento tropicalista, esa revolucionaria mezcla de tradición e influencias pop, sin su brillante aportación. Os Mutantes fueron sus Beatles y con ellos experimentó con la electrónica y la psicodelia. Trabajó además para Gilberto Gil, Caetano Veloso, Tom Zé, Chico Buarque, etc. En la práctica, más que en labores de director musical o productor, solía poner su talento al servicio de los arreglos y conseguía a través de ellos resultados tan emocionantes como en "Construçao", la canción de Buarque que convirtió en un himno eterno. Se trataba de un poema social que empezaba con muy pocos acordes, con un esquema repetitivo que apenas progresaba (un fiel reflejo de la rutina que describía el tema), al que añadía cuerdas para remarcar la tristeza y vientos para intensificar la situación dramática (justo cuando la letra revela que la muerte del albañil "interrumpe el tráfico" un clamor de trompetas y trombones suenan como desesperadas bocinas de autos). Cito este solo ejemplo para ilustrar el talento de Duprat para transformar un boceto, una maqueta, y terminar de "pintar" el cuadro completo.

https://youtu.be/vmGrRmXivmM

De pronto, has hecho que quiera saber mucho más sobre Rogérico, ¿sabes si hay algún libro interesante sobre su figura?...Me gusta la música brasileña, siempre me gustó, pero nunca termino de adentrarme del todo. Supongo que el día que me decida pasaré años sumergido en ella.

PD: El otro día compré un vinilo de Djavan ("Bird of Paradise") y me acordé de ti.

Sobre Duprat no hay ningún libro editado en español y que yo sepa sólo existe uno en portugués. De todas formas, en ese idioma puedes encontrar en Internet entrevistas y artículos que no son difíciles de seguir. Te dejo el enlace de una de ellas, donde cuenta la anécdota del pedo ( ) que incluyó en el "Disco Blanco" de Veloso:


http://www.jovemguarda.com.br/entrevista-rogerio-duprat.php

Escatología tropical en el 1:39 del vídeo:

https://youtu.be/4ikZ2q6h2ZI

A todo esto, Conny Plank también merece un pequeño homenaje aquí, ¿no? En su papel de productor, pero también como creador de unos estudios míticos que levantó con sus manitas y sus herramientas, en plan Bricomanía. Podrá gustar más o menos la escena del Krautrock, pero el afán de experimentanción sonora de la época es espectacular. En la página oficial de Plank, Midge Ure explica una anécdota: para una (mierda de) canción de Ultravox, George Martin había preparado un arreglo orquestal pero a Plank le pareció muy caro y metió un "distortion module" (sea lo que sea esto) porque a él le parecía que una orquesta sonaba a eso y era más que suficiente.

Bueno, voy a hacer lo mismo que Auamba (aunque sin su oreja ni sus brillantes explicaciones) y escojo una canción. Lo lógico es que sea de Neu!, que para eso llegaron a considerar a Plank una parte importante del grupo. "Negativland" es un ejemplo perfecto de experimentación sonora. Una canción dividida en dos líneas muy bien diferenciadas: por un lado, la sección rítmica, repetitiva pero no machacona (el motorik ese, precedente de la música electrónica), y por otro, la guitarra tortuosa, más propia de un taller mecánico que de un grupo de rock. El ritmo nítido, mucho rato en primer plano, la distorsión de fondo, más que en el cuarto de baño, en el sótano. Con la aceleración, a veces deja el sótano y sube a la primera planta. Lo justo. Hipnótico.

https://youtu.be/fhiNtanvImg

pilgrim escribió:

[...] En cualquier caso, me encantan estas explicaciones,  que espero que se larguen más allá de esta semana, aunque sea ocasionalmente.

Apoyo la moción de Pilgrim, a mí también me encantaría poder seguir disfrutando de estas historias, me encantan.

Os dejo la versión de Ella Fitzegerald del Can't Buy Me Love, arreglada magistralmente para Big Band por nuestro Jorge Martín y swingueada de forma no menos magistral por Ella. De las mejores versiones de canciones pop que hizo. Y además la grabó muy poco tiempo después (meses) de que los Beatles la publicaran.

Os estáis currando un hilo interesantísimo. Auamba no me ha sorprendido pues ya conocíamos su nivelazo, lo de comentar canciones es una idea genial. El resto de comentaristas no le va a la zaga.

Quería compartir con vosotros lo que cuenta George Martin acerca de la grabación de A Day In The Life en su biografía, igual ya lo conocéis pero a mí me pareció muy interesante, y una muestra de lo grandes que eran estos 4+1:

La canción la escribió John Lennon, que parece ser que realmente sacó la inspiración para la letra leyendo el periódico, tal y como reza el comienzo de la canción. A John le faltaba la parte central de la canción así que le pidió a Paul si tenía algo que pudiera servirle. Paul aportó el fragmento que empieza con “Wake up, got out of bed…”, que pese a ir destinado en principio a otra canción totalmente diferente, pegaba muy bien y ahí se quedó. Y aquí llegó el problema. Entre el inicio de John y el fragmento de Paul no tenían nada grabado. Paul se dedicó a tocar la misma nota con el piano durante 24 compases y ese hueco quedó pendiente para rellenar más adelante.

George Martin preocupado porque el tema no se acababa de cerrar intentó descubrir que paisajes sonoros quería pintar Lennon en esos 24 compases. Lennon le explicó que lo que andaba buscando era algo que empezara de la nada más absoluta y fuera creciendo hasta algo parecido al fin del mundo, del silencio hasta un Volumen Brutal. Entonces John le dijo a Martin algo que seguramente sólo puedes decir si eres un Beatle o algún otro estrellón por el estilo: “¿Sabes qué George? Tráete una orquesta sinfónica al estudio y yo les diré lo que tienen que tocar…”

George Martin no debió ver muy claro eso de contratar una orquesta sinfónica y llevarla al estudio de grabación para que John Lennon fuera músico por músico diciéndoles lo que debían tocar, así que intentó plasmar en una partitura la visión de Lennon. Para ello, al comienzo de esos 24 compases escribió la nota más baja que cada uno de los instrumentos de la orquesta podía tocar. Al final de los 24 compases escribió la nota más alta para cada uno de los instrumentos. Después escribió las notas que más o menos debían de alcanzar al final de cada compás y pidió a los músicos que se desplazaran de una nota a otra de la manera más “suave” posible. Todos los músicos debían empezar a tocar lo más silenciosamente posible para acabar tocando a todo volumen. Por último, se aseguró de que los músicos de la orquesta olvidaran por un momento uno de los principios de toda orquesta que se precie, tocar como un solo hombre siguiendo al director. George Martin quería que cada músico fuera a su bola, sin preocuparse de lo que tocaba el vecino.
Al final, George Martin grabó esos 24 compases cuatro veces y los unió de forma que no coincidían exactamente, estaban ligeramente desplazados.

La primera vez que se usaron estos sonidos en la canción terminan de forma abrupta en un silencio. La segunda vez, para acabar la canción y antes de la broma de Paul, terminan de forma totalmente diferente: primero un silencio también y después los cuatro Beatles y George Martin aporreando con todas sus fuerzas y al unísono el mismo acorde en tres pianos diferentes hasta que el sonido desaparece por completo…

La primera producción post Beatles de Martin, el segundo lp de Seatrain, banda formada por algunos componentes de los Blues Project. Un bonito disco de raíces americanas, con folk campestre y algo de funky, de esas obras que nos recuerdan a grandes praderas, caballos salvajes y bisontes sin clembuterol.

https://www.youtube.com/watch?v=War3BgTQ68Q

Un salto estilístico para el gran Martin.

Si me disculpáis, yo sigo al margen de George Martin, aunque voy haciendo los deberes y ya he visto su magnífico programa dedicado al Ritmo.

Otro gran productor del que habéis hablado en otros hilos estos días: Tony Visconti. No me va a costar nada escribir sobre él porque ya explica él mismo la grabación de "Heroes", LA CANCIÓN. Bowie, Eno, Fripp, Visconti. Emocionante. Es un documento tan gráficamente sonoro que, aunque no se domine mucho el inglés, se sigue perfectamente. Vale mucho la pena, aunque finalmente no encontraran un cencerro (eso lo explica a partir del minuto 8:25).

https://youtu.be/mp1iutsWnho

Los más gandules lo tienen algo condensado aquí:

https://youtu.be/wiZhJXtY7QI

Pilgrim escribió:

Siendo Albini productor y hablando de cencerros, supongo que comentaron el sketch clásico de Saturday Night Live en el que parodian la grabación de "(Don't Fear) The Reaper" y secundan la tesis: cuanto más cencerro, mejor es la canción.

No, no lo citaban, pero es bastante probable que ese seketch fuera el origen de su tesis cencerril

PD: Conny Plank es uno de mis productores preferidos. Todas sus grabaciones tenían "algo", incluso el curiosísimo debut de los Scorpions, que siempre me gustó mucho (bastante más que sus discos 80s)...pero entiendo que muchos metaleros de pura cepa no lo soporten.

Contrareloj!!!!! a ver si cierro los dos últimos capítulos.

Capítulo 6:

Canción: "You Can't Hurry Love"; Intérprete: The girls(como dijo Ed sullivan la primera vez que las presentó y no recordaba su nombre   ) ; Pruductores: Brian Holland, Lamont Dozier

Ya sabéis de mi fascinación por la factoría Motown. Esta canción es un gran ejemplo de su sonido tan característico y de cómo usaban su grabador de 8 pistas. El bajo de James Jamerson era clave hasta el punto que le reservaban una pista para él solo. Tened en cuenta que solo contaban con 8 pistas y que toda la batería, por ejemplo, iba en una solo pista. Las guitarras (solían grabar 3 o incluso más guitarristas) también compartian una sola pista y los músicos escuchaban el retorno por un único altavoz (diseñado junto con el amplificador exclusivamente por los ingenieros que trabajaban para el estudio), en lugar de usar auriculares, lo cual afectaba a la forma de tocar, ya que tenían, forzosamente, que escucharse los unos a los otros.

Primero grababan la sección rítimica y luego se hacían los overdubs con los arreglistas corrigiendo arreglos sobre la marcha. Finalmente, se grababa la voz solista. Por cierto, una prueba más de la importancia que le daban al bajo de Jamerson es que le reservaban la pista 8 (la 1 siempre era para la voz solista) porque, debido a la respuesta de las cintas analógicas, las pistas 1 y 8 eran las menos afectadas por el ruido de alta frecuencia que estas producían. En fin...se podría hablar de técnicas como la compresión paralela, excitadores aurales en el proceso de mastering, etc, etc, etc...Pero lo mejor es que escuchas esta música y no piensas en nada de esto, es todo lo contrario a una producción aparatosa, aunque haya un enorme trabajo invisible detrás de todos sus clásicos.

https://www.youtube.com/watch?v=1qOiNnK7AFg

Veo que ya hay logo nuevo, pero no he podido llegar antes.

Capítulo 7:

Canción: "Good Vibrations"; Intérprete: The Beach Boys; Productor: Brian "who else" Wilson

Aquí sí que se nota lo aparatoso de la producción. Meses de grabación en distintos estudios, premezclas de diferentes partes que sumadas crearon un verdadero milagro sonoro. El uso de instrumentos tan particulares como el theremin o otros más tradicionales pero con tratamientos distintos a los habituales. Como alguien la definió, UNA MINISINFONÍA DE BOLSILLO.

https://www.youtube.com/watch?v=mdt0SOqPJcg

Lo he disfrutado mucho, Storm

Ha sido un hilo interesantísimo. Ojalá tuviera continuidad de algún modo. Gracias en especial a Storm y Auamba.

Auambabuluba balambambú escribió:

UNA MINISINFONÍA DE BOLSILLO.

https://www.youtube.com/watch?v=mdt0SOqPJcg

Joder, y tanto. Sería el mejor tema de Wilson de no ser por God Only Knows.

Una pena que la sinfonía pop que pretendía ser Smile no fuese rematada en su día, con Wilson en el apogeo de su genialidad/locura.

Alehardrock escribió:

Auambabuluba balambambú escribió:

Alehardrock escribió:

Con vuestro permiso escribo un breve apunte para destacar la figura de Rogério Duprat, al que no sin razón llamaron "el George Martin brasileño". También tuvo una formación clásica, produjo jingles y, por desgracia, fue perdiendo el oído. Es imposible comprender el movimiento tropicalista, esa revolucionaria mezcla de tradición e influencias pop, sin su brillante aportación. Os Mutantes fueron sus Beatles y con ellos experimentó con la electrónica y la psicodelia. Trabajó además para Gilberto Gil, Caetano Veloso, Tom Zé, Chico Buarque, etc. En la práctica, más que en labores de director musical o productor, solía poner su talento al servicio de los arreglos y conseguía a través de ellos resultados tan emocionantes como en "Construçao", la canción de Buarque que convirtió en un himno eterno. Se trataba de un poema social que empezaba con muy pocos acordes, con un esquema repetitivo que apenas progresaba (un fiel reflejo de la rutina que describía el tema), al que añadía cuerdas para remarcar la tristeza y vientos para intensificar la situación dramática (justo cuando la letra revela que la muerte del albañil "interrumpe el tráfico" un clamor de trompetas y trombones suenan como desesperadas bocinas de autos). Cito este solo ejemplo para ilustrar el talento de Duprat para transformar un boceto, una maqueta, y terminar de "pintar" el cuadro completo.

https://youtu.be/vmGrRmXivmM

De pronto, has hecho que quiera saber mucho más sobre Rogérico, ¿sabes si hay algún libro interesante sobre su figura?...Me gusta la música brasileña, siempre me gustó, pero nunca termino de adentrarme del todo. Supongo que el día que me decida pasaré años sumergido en ella.

PD: El otro día compré un vinilo de Djavan ("Bird of Paradise") y me acordé de ti.

Sobre Duprat no hay ningún libro editado en español y que yo sepa sólo existe uno en portugués. De todas formas, en ese idioma puedes encontrar en Internet entrevistas y artículos que no son difíciles de seguir. Te dejo el enlace de una de ellas, donde cuenta la anécdota del pedo ( ) que incluyó en el "Disco Blanco" de Veloso:


http://www.jovemguarda.com.br/entrevista-rogerio-duprat.php

Escatología tropical en el 1:39 del vídeo:

https://youtu.be/4ikZ2q6h2ZI

1000 gracias, Ale!! En cuanto tenga un ratito lo leo. Un sector de los nacionalistas gallegos, los lusistas, defienden que el galego (que controlo bastante bien) y el portugués son el mismo idioma. Es una buena ocasión para comprobar si lo que dicen es cierto

Auambabuluba balambambú escribió:

Contrareloj!!!!! a ver si cierro los dos últimos capítulos.

Capítulo 6:

Canción: "You Can't Hurry Love"; Intérprete: The girls(como dijo Ed sullivan la primera vez que las presentó y no recordaba su nombre   ) ; Pruductores: Brian Holland, Lamont Dozier

Ya sabéis de mi fascinación por la factoría Motown. Esta canción es un gran ejemplo de su sonido tan característico y de cómo usaban su grabador de 8 pistas. El bajo de James Jamerson era clave hasta el punto que le reservaban una pista para él solo. Tened en cuenta que solo contaban con 8 pistas y que toda la batería, por ejemplo, iba en una solo pista. Las guitarras (solían grabar 3 o incluso más guitarristas) también compartian una sola pista y los músicos escuchaban el retorno por un único altavoz (diseñado junto con el amplificador exclusivamente por los ingenieros que trabajaban para el estudio), en lugar de usar auriculares, lo cual afectaba a la forma de tocar, ya que tenían, forzosamente, que escucharse los unos a los otros.

Primero grababan la sección rítimica y luego se hacían los overdubs con los arreglistas corrigiendo arreglos sobre la marcha. Finalmente, se grababa la voz solista. Por cierto, una prueba más de la importancia que le daban al bajo de Jamerson es que le reservaban la pista 8 (la 1 siempre era para la voz solista) porque, debido a la respuesta de las cintas analógicas, las pistas 1 y 8 eran las menos afectadas por el ruido de alta frecuencia que estas producían. En fin...se podría hablar de técnicas como la compresión paralela, excitadores aurales en el proceso de mastering, etc, etc, etc...Pero lo mejor es que escuchas esta música y no piensas en nada de esto, es todo lo contrario a una producción aparatosa, aunque haya un enorme trabajo invisible detrás de todos sus clásicos.

https://www.youtube.com/watch?v=1qOiNnK7AFg

Que obra de arte, no olvidemos la versión de Phil Collins que fue no 1 a nivel planetario